Víctor Grippo

Arte y ciencia o alquimia?
Hace un par de años un importante crítico de arte presentó en Corrientes el curso: Arte y alquimia. Una destacada artista del medio cuestionó la inclusión de la obra de Victor Grippo entre la obra de alquimistas...

ahi te pego unos links para ver un poco de que se trata lo que voy a tratar hoy en la columna

http://centros5.pntic.mec.es/ies.victoria.kent/Rincon-C/Arte/vg/vg.htm

http://www.argentinaxplora.com/activida/arte/grippo.htm

Correntinos del Museo

El 21 de agosto se inauguró, en el Museo de Bellas Artes "Dr. J. R. Vidal", la muestra CORRENTINOS DEL MUSEO.
La muestra es un recorte de las obras de los artistas correntinos que integran el patrimonio del Museo.
La muestra podrá visitarse hasta el día 19 de septiembre, en San Juan 634 de la Ciudad de Corrientes, de lunes a viernes de 8 a 20 y los sábados de 9 a 12 y 17 a 20. Entrada libre y gratuita.
Para ir a la página del Museo Vidal dale click al título de la entrada.

Diego Figueroa

Hoy nos visitan los artistas Chaqueños Diego figueroa y Jorge Tirner. Dale click al título de la entrada y mirá el blog de Diego.

Jorge Tirner

Para ir a la página de Jorge dale click al título de la entrada.

Museo Legitimador de Artistas

El Museo Legitimador de Artistas tiene el agrado de informar que inaugurara otra franquicia, esta nueva sede estarà ubicada en calle San Juan 634 de la ciudad de Corrientes.

La apertura oficial y entrega de certificados está prevista para el día viernes 21 de agosto de 2009 a las 20hs. con gala y copetín.

Para poder acceder al Certificado de Artista Legitimado cada interesado deberá presentar una obra de su autoría que será analizada por su equipo administrativo. Luego de ser aprobada pasará automáticamente a engrosar su ya formidable colección.

Aproche la oportunidad única de ser un artista legitimado, y reciba el certificado original luego de un trámite que le demandará sólo unos minutos.

La entrada es libre y gratuita. Al costo del certificado lo charlamos en el mostrador.

Saludos cordiales.

Para ir al blog del Museo dale click al título de la entrada.

Registro y puesta en valor de la obra del artista CARLOS EMILIO CASTAGNINO

El Museo provincial de Bellas Artes “Dr. J. R. Vidal”, dependiente de la Subsecretaría de Cultura del Ministerio de Educación de la Provincia de Corrientes, incluye en su planificación anual una exposición retrospectiva de un artista de la historia de las artes de la Provincia. En los últimos años han sido homenajeados Juan Carlos soto, José Melanio Negro y Antonio Pedro Ballerini, en este año el artista seleccionado es Carlos Emilio Castagnino.

Castagnino nació en Buenos Aires en el año 1892. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes. Expuso en Argentina, Paraguay, Bolivia, Chile y Perú.
En 1930 se radicó en la ciudad de Corrientes donde instaló el estudio de Fotografía Lux.
Allí, luego del horario comercial, se daban cita las figuras mas representativas de la cultura correntina entre los años 30 y 60.
Se destacó como retratista y paisajista.
Como retratista realizó, entre otros, el retrato del Dr. Juan Ramón Vidal, un retrato del Gral San Martín que se conserva en la Casa de Gobierno y, por encargo del Gobernador Velazco, el retrato de Eva Perón.
Como paisajista se destacó por representar barcas y árboles de la costa correntina,
Murió en Corrientes el 5 de julio de 1968.

El Historiador y Crítico de arte Marcelo Fernández lo incluye en su libro “Los fundadores de las artes plásticas en Corrientes”.
En una emotiva semblanza, Delia Iturriaga de Marín, nos dice: “Castagnino pintaba, creaba luces y sombras, colores, ríos, paisajes, barcos y también retratos. Utilizaba los elementos que le daba su escasa posibilidad económica y dedicaba largo tiempo a su actividad con el pincel”.
“Calidez humana especial, abrigo e identidad. Eso sentían las personas que incesaban a su casa… Algunos días las sillas no alcanzaban. Pero músicos, pintores, poetas, escritores y profesionales que, optando por la simpleza, no permitían que los llamaran doctores, permanecían rodeando al Maestro…La rústica mesa ofrecía el alimento y el vino que todos llevaban”.

Como parte de su misión en la conservación y difusión del patrimonio artístico de Corrientes el equipo del Museo Vidal se encuentra preparando la muestra homenaje al artista Carlos Emilio Castagnino, que se llevará a cabo en el mes de noviembre, registrando la obra del maestro en colecciones particulares y entrevistando a quienes lo conocieron para poner en valor su legado artístico y humano.

Quienes puedan colaborar con esta tarea, tan importante para la memoria colectiva, podrán dirigirse al Museo Provincial de Bellas Artes Dr. J. R. Vidal, San Juan 634, teléfono 03783-475947, de lunes a viernes de 8 a 20 o al correo electrónico: museovidalctes@hotmail.com

Artista conceptual maltrata a perro en galería de arte.

"El artista costarricense Guillermo Vargas, más conocido como Habacuc , está envuelto en una gran polémica debido a la muerte de un perro callejero dentro de Exposición N° 1 , muestra que se realizó en agosto pasado en Managua (Nicaragua)."

Lo que se vio en Managua. Como parte de su exposición, el artista enfrentó al espectador a un perro callejero flaco, enfermo y con hambre amarrado a la esquina de la sala. Él capturó al animal en un barrio pobre de Managua.
La muestra también incluyó la frase, escrita con alimento de perro, “Eres lo que lees”; así como de un audio con el Himno Sandinista al revés, fotos y un incensario, donde se quemaron 175 piedras de crack y una onza de marihuana.

Habacuc dijo ayer que su obra fue un homenaje a Natividad Canda, nicaragüense que murió tras ser atacado por dos perros rottweiler en un taller en Cartago.

“Me reservo decir si es cierto o no que el perro murió. Lo importante para mí era la hipocresía de la gente: un animal así se convierte en foco de atención cuando lo pongo en un lugar blanco donde la gente va a ver arte pero no cuando está en la calle muerto de hambre. Igual pasó con Natividad Canda, la gente se sensibilizó con él hasta que se lo comieron los perros”, explicó .

Incluso agregó: “Nadie llegó a liberar al perro ni le dio comida o llamó a la policía. Nadie hizo nada”.

Al ser cuestionado acerca de si alimentó al animal o no, el artista se negó a responder.

¿Por qué no usó otro medio de expresión? “Recojo lo que miro... El perro está más vivo que nunca porque sigue dando qué hablar”, dijo.

para ver ver nota dale click al título de la entrada

también podés ver:

http://www.nacion.com/ln_ee/2007/octubre/04/aldea1263590.html

http://criticacreacion.wordpress.com/2007/11/17/como-explicarle-arte-a-un-perro-atado/

http://guillermohabacucvargas.blogspot.com/

http://www.deprisa.net/web/1531/ata-a-un-perro-en-una-exposicin-y-lo-deja-morir-de-hambre/

Nicola Constantino

La artista nació en Rosario en 1964. En los últimos años, su corrosiva e impactante obra causó conmoción en las Bienales del Mercosur, de San Pablo y de Liverpool, entre otras de las muestras que hizo por el mundo.

La serie ANIMAL MOTION PLANETS, presentada en la Galería Ruth Benzacar, esta planteada como una instalación de máquinas ortopédicas para animales no natos que otorga por un momento la apariencia de la vida a estos cuerpos. Hay videos de animales en movimiento, copias en silicona del molde de pequeños animales taxidermizados y las máquinas con pequeños motores parecen insuflarle movimiento.

Otra serie de obras esta compuesta por conjuntos de PRENDAS DE VESTIR diseñadas y exhibidas con toda la parafernalia de la alta costura. Las prendas están confeccionadas con símil de piel humana, de cerca se perciben hasta los poros, y los “detalles” distribuidos regularmente son copias de pezones y anos. La peletería es cabello humano natural.

SAVON DE CORPS es un artículo cosmético de lujo. Se trata de un múltiple de 100 jabones que contienen un 3 por ciento de grasa del cuerpo de la artista. Este tejido adiposo (que suma dos kilos) se obtuvo de una liposucción a la que Costantino se sometió para este proyecto. El jabón tiene forma de espalda, cintura y cadera femeninas, y su aroma gourmet es dulce: leche con caramelo.
La obra consiste en el lanzamiento de Savon de Corps. Un backlight de 180 x 240 cm con la imagen publicitaria de la artista semidesnuda entrando en el agua. El eslogan en francés, idioma del glamour, invita a bañarse con ella: “Prends ton bain avec moi”. Se proyectará un comercial filmado en 35 mm, de 40 segundos de duración, en el que Nicola publicita su jabón. La obra se completa con un grupo de exhibidores con jabón y jabonera.

para ir a la página web de la artista dale click al título de la entrada

Fernanda toccalino

Texto para la muestra Público-Privado
30 DE NOVIEMBRE DE 2005
MUSEO DE BELLAS ARTES JUAN RAMÓN VIDAL
CORRIENTES

Abrí el buzón de la correspondencia de mi edificio para ver si ya había llegado la factura de la luz, y me sorprendí con una tarjeta postal que me decía “hasta mañana”, sobre un fondo de tela amarillenta y con florcitas bordadas a mano.
Desde el anverso Fernanda me lo prometía. Tenía una estampilla con fotos de gauchos, el matasellos de la oficina de correo de Virasoro, y me contaba que se imprimió en agosto, que editaron 500 ejemplares y prometía seguir editando 500 más y 500 más y 500 más…

La última obra de Fernanda Toccalino es una tarjeta postal que se reproduce en series de 500 ejemplares en una imprenta de la ciudad y se envía por correo, una por día desde el 1 de septiembre de este año, a personas de todo el país y del exterior.
Es una obra, es un gesto, es una red de comunicaciones, es una usina que motoriza ideas, es un proceso.

Desde 1997, luego de instalarse a vivir en Corrientes y participar de la beca de antorchas en Posadas, deja de lado la pintura, la fotografía y el grabado tradicionales para incorporar todo, en sus instalaciones y objetos.
De esta época es la serie HISTORIA CLÍNICA, en la que utiliza fotografías de adultos enfermos y de bebes prematuros para hacer heliografías, los biombos, la silla de ruedas, los azulejos, los descartables hospitalarios y el germinador escolar.
Crea un artefacto ficticio en el que contrapone la sensación de asepsia con la de fragilidad.
Nos hace pensar en el ser humano biológico, en la vida, en el dolor de la enfermedad, en la indefensión del paciente, en la posibilidad, tal vez incierta, de curar el cuerpo.
De la misma época son las obras, ÍNDICE, LÁGRIMAS DE COCODRILO y JARDÍN DE LA SALUD. En las que utiliza hojas amarillentas de libros de texto en italiano (¿su origen?), o los imita usando acuarela. Podemos encontrarnos cajas numeradas, abiertas o cerradas, mariposas disecadas, tubos de ensayo, portaobjetos para microscopio.
Sigue habiendo una mirada hacia lo “científico”, pero desde una perspectiva diferente. Ahora ese conocimiento no nos genera la sensación de inmovilidad y asepsia, sino que registra el paso del tiempo. Hay una referencia a los proyectos, a lo por hacer, a lo que podemos saber, pero también una duda casi resignada sobre las posibilidades de ese conocimiento. Hay, tal vez, una nostálgica aceptación de la imposibilidad de las certezas.

Después nace su primer hijo, y la idea de la percepción del mundo desde los ojos del recién nacido.
Vuelve a las imágenes en blanco y negro. Son siluetas grises y de contornos imprecisos, deformadas por el ángulo de encuadre.
Podemos reconocer formas humanas, hombre, mujer, ramas de árboles, sombras proyectadas.
Ahora no remite al conocimiento científico, el tema ahora es el conocimiento del mundo a través de los propios ojos del sujeto que conoce.
Nos remite a la conciencia de nuestras limitaciones, porque estos son los ojos que tenemos para ver. Esto es lo que “pueden” ver nuestros ojos. Esto es lo que podemos ver que el otro ve. Pero ver no es saber. Es también aceptar que vas a estar solo, que vas a saber por tus propios medios. Que tu mirada no es la mía y que mi mirada no puede ser la tuya.

La profunda crisis de fines del 2001 hace que Fernanda vuelva la mirada intimista de su mundo próximo hacia su entorno de ciudadana con otros.
Aparecen los símbolos patrios y religiosos.
Una bandera vertical, hecha con trapos de piso grises azulados y blancos, en el medio el sol con esponja de acero. La cruz de los milagros insinuada por una escoba, un escurridor, un plumero y botellas de lavandina. El pizarrón de la escuela, hecho con un mantel de plástico, coronado por el gorro frigio, un cucharón, un embudo, guantes de goma, y hojas naturales de eternos laureles.
Los símbolos están construidos con objetos cotidianos del horizonte de un ama de casa.
Estas obras nos remiten a la reflexión sobre para que sirve vivir en sociedad.
Ese individuo que se asocia y deposita sus derechos individuales en un orden superior que lo debería representar, contener y proteger.
Nos hacen pensar en la contraposición del heroísmo en el bronce con el heroísmo cotidiano

De su entorno cotidiano también surgen los juguetes de cotillón que utiliza en sus amuletos
Cómo si aceptara que la ciencia no alcanza, el estado fracasa y la razón no sabe/no contesta, nos propone la magia para protegernos.
Pero es una magia de juguete, no es hechicería, no es fe dogmática, no es ritual de sometimiento a un oscuro poder sobrehumano.
Los amuletos de Fernanda pueden:
• prevenir hecatombes económicas y rupturas de promesas.
• proteger de lo desconocido, de los profesores de plástica, de los piojos y liendres, y de las hermanas que cantan la canción de Barnny.
• ayudar a ganar premios en salones y atraer planes sociales.

Fernanda nos susurra la necesidad del otro, nos alerta de la fragilidad de la existencia, nos renueva la fe y nos promete que estará mañana y mañana y mañana…

Carlos Colombino- La última cena II

Del 24 de junio al 25 de julio.
Sala "José Negro"
Museo Provicial de Bellas Artes "Dr. J. R. Vidal"

Para leer sobre la muestra y ver las fotos de la inauguración dale click al título de la entrada.

Carlos Walter Fernández

ENTRE CUERVOS Y ESTRELLAS

22 de agosto al 15 de septiembre de 2007
Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Juan Ramón Vidal


WALTER MIRA PARA ARRIBA PARA ENCONTRAR SU ESTRELLA

Walter Fernández trabaja sobre papeles de mediano formato, superponiendo pigmentos, en un una dinámica lúdica y espontánea de pinceladas, chorreados y salpicaduras. Obtiene el color por superposición de claro sobre oscuro y define la forma con trama de líneas, en un juego plástico de riqueza cromática.

En su obra, icónica, grandes espacios sugieren cielos, unas veces calmos, otras agitados, tormentosos o luminosos.
Aparecen recurrentemente las aves de rapiña, las ovejitas, los mapas celestes.

La obra se gesta en un movimiento centrípeto que va de la mancha al símbolo.
La composición se estructura como un mensaje iconológico donde cada personaje evoca un sujeto que encarna valores e interactúa con los otros en un escenario que alude a nuestro propio “teatro”.

Frente a la obra de Fernández podemos imaginar una mirada hacia el cielo.
La necesidad de identificar las estrellas que nos permitan fijar un rumbo y precavernos de los que acechan esperando el momento de tomar lo que queda.

Mirar al cielo para ubicarnos en la tierra. Para reconoceros necesitados de los otros y promover un gesto solidario que nos ayude a modificar las estructuras que nos oprimen y consumen la esperanza.

Esta muestra nos invita a mirarnos, como un conjunto de individuos, entre cuervos y estrellas.


HUGO JUSTINIANO
Agosto de 2007

Mabel Vilchez

EL JUEGO DE LA OCA

Mabel prepara su muestra. Avanza dos casilleros.
Me invitan a escribir para el catálogo. Me entusiasma el puente.
La entrevisto. A pensar al rincón.
Veo su obra. Se insinúan varios caminos. Un pozo amenaza.
Hago un borrador. Juego de nuevo.
Lo releo. Retrocedo seis casilleros.
Rearmo la estructura del texto. Suena el teléfono. Pierdo un turno.

El “disco de pahistos” parece ser el tablero mas antiguo del juego de la oca. Este disco de arcilla encontrado a principios del siglo XX y fechado 2000 años a.C. es asociado con el asedio de Troya, y según el relato fue inventado por Palámides, hijo del rey Eubea para soportar la tediosa espera.
Para algunos autores la Florencia del siglo XVI fue el lugar originario del juego. Otros señalan su creación por los templarios a principios del siglo XII, asocian la organización de los casilleros con instrucciones místicas y refieren significados cifrados en los números de casilleros y la elección del animal.
Lo cierto es que este juego, presente en diferentes culturas, ha mantenido la forma de espiral, el puente, el laberinto, la prisión, la muerte y la promesa del final feliz. El número de casilleros ha variado, de 61 a 63 y se transformó en un juego de niños hace relativamente poco tiempo.
Marta Zatonyi dice que el fenómeno estético, es, en principio, “la esencia humana expresada sensitivamente”. Se pregunta entonces ¿qué es la esencia humana?
En la esencia humana bucea Mabel cuando elige el juego de la oca.
Mabel se pregunta. Se pregunta intensamente. Se pregunta con asombro.
Se pregunta por el juego como actividad del hombre, como pasatiempo, como símbolo.
Se sorprende con la permanencia de la forma de espiral como peregrinación hacia la meta. Se maravilla con la constante en los casilleros. Se conmueve con la oca.
Con la sensibilidad de la línea y la simplicidad del blanco y negro, sobre la precariedad del papel, replantea la muerte y las muertes, los pozos y los puentes, los laberintos y los atajos del tablero tradicional.
Con lucidez reflexiva identifica y dibuja los casilleros del peregrino contemporáneo.
Desde su experiencia sensible incorpora los casilleros de la niña, la adolescente y la mujer. Los procesos biológicos corporales aparecen en “su” juego.
En alusión simbólica, sutilmente, asoma el color.
En el juego de la oca de Mabel Vilchez un beso puede ser un puente, el amor puede ser un pozo, los personajes mitológicos regionales pueden hacernos perder un turno y las leyes de la naturaleza a veces no se cumplen.
La obra nos invita a plantearnos el valor de las metáforas, a averiguar cuáles son nuestros puentes, a recorrer nuestros propios laberintos, a revisar las heridas que nos hicimos en la caída. Nos propone, tal vez, juzgar las ventajas de volver al camino o disfrutar la condena.
El tablero nos impone un recorrido en espiral, nos reserva sorpresas, pero nos promete al final, un lugar extraordinariamente maravilloso, el jardín de la oca.
Cada lámina es un casillero, tiene un número y un título, puede tocarnos o no. Pero no nos impone suertes o desventuras.

Retomando a Zatonyi, “no existe lo estético sin un portador creado, por lo tanto materializado, y sin un sujeto materializador”. El tercer componente del suceso estético es “un sujeto receptor que establece una relación sensitiva con el objeto estético”. Pero este esquema no presupone un receptor pasivo, “ya que en esta intercirculación no puede existir la pasividad pues la percepción es también una actividad”.

Respetable público: su turno.


HUGO JUSTINIANO
OCTUBRE 2006

Para ir a la página web de Mabel Vilchez dale click al título de la entrada

ArteBa09

Comenzó la edición 2009 de la Feria de Arte en el predio de La Rural en la Ciudad autónoma de Buenos Aires.
En el Barrio Joven que auspicia un conocido "Champu " hacen roncha los correntinos.
Dale click al título para ir a la página de la feria.
Ahi te copio unos links para ver prensa sobre los Yaguá Montón:

http://ar.news.yahoo.com/s/21052009/40/n-entertain-abre-puertas-ma-ana-feria.html

http://www.el-litoral.com.ar/leer_noticia.asp?IdNoticia=110288

http://www.culturaflux.com.ar/web/baires.htm

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1130930

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1018461

Andres Bncalari

Bancalari “sinfín” en el Bellas Artes
a las 20 hs y permanecerá abierta al público hasta el 6 de junio.
Las habitaciones aparecen obstinadamente representadas en los dibujos de Bancalari. Los muros vacíos dirigen nuestra mirada hacia los objetos que ubica estratégicamente. Nidos, casas, árboles son contenidos / protegidos por esas paredes esbozadas.
El Museo Vidal invitó a este artista chaqueño a intervenir las paredes pintando una de las salas de exposiciones.
Dice Andrés Bancalari sobre el proyecto que desarrollará entre el 11 y el 13 de mayo:
“La obsesión como usina inagotable de preguntas sin respuestas que no conducen a ningún lugar, a ningún resultado.
La repetición como idea fija, imparable, que no descansa y no tiene límites. Puntos y líneas construyen una estructura simbólica que sostiene y cumple una única función, la de alimentar la obsesión sin fin”.

Para ver info de Bancalari en Galería Palatina dale click al título del entrada.

Kuropatwa en technicolor

Tras un periodo de formación en artes visuales en la ciudad de Buenos Aires, Alejandro Kuropatwa viajó durante un año por Europa y los Estados Unidos, para instalarse finalmente en Nueva York. Allí asistió al Fashion Institute of Technology y a la Parsons School of Design. Su llegada a esa ciudad, en 1979, coincidió con una época de celebración desenfrenada del lado más comercial de la cultura.
Con esa experiencia regresó a Buenos Aires, una ciudad movilizada por el fin de la dictadura militar (1976-1983) que transitaba momentos de gran apertura y que, en el campo cultural, favorecía el regreso al país de los artistas exiliados durante esos años, junto con una franca visibilidad de los que durante la dictadura operaban en circuitos underground. Esta suma de fuertes cambios en la escena local, que incorporaba a artistas que venían de otros ámbitos, dio lugar a una enorme diversidad de formas expresivas que generaban cruces interesantes entre artes visuales, teatro y música, y devino en la multiplicación y desplazamiento de los centros de una actividad en expansión.
Con la llegada de la democracia, esta cultura under se difundió en múltiples formatos y locaciones, proponiendo la ampliación de los límites de lo que hasta entonces había sido considerado arte. En ese sentido, se vivía un paralelismo entre la “fiesta” neoyorkina de los 80 y la explosión apasionada –después del letargo– de las manifestaciones vanguardistas de Buenos Aires.
Esa coincidencia de acontecimientos fue el puente que facilitó el desembarco –a la vez que señaló una marca decisiva en la historia personal y en el desarrollo artístico– de Alejandro Kuropatwa.
La presente exposición reúne las obras de sus últimos años. Se trata de cinco series: Cóctel (1996), Yocasta (2000), Mujer (2001), Flores (2002) y Naturalezas muertas (2002) . Si bien son series autónomas, el conjunto articula conceptos recurrentes en el artista, que atraviesan toda la muestra; el empleo de grandes formatos, el uso intensivo del color, los objetos individualizados, la sustracción de elementos de contexto, la manía por el detalle magnificado y la carga conceptual manifiesta construyen una estética inquietante que circula por estas series.
Es evidente el cambio que significó en la vida de Kuropatwa y, por supuesto, en su producción, el advenimiento del cóctel de medicamentos como una posibilidad cierta de sobrevida, y ello se refleja patentemente en toda su obra posterior. AK abandona esa mirada nostálgica, velada y distorsionada de la realidad que definió sus trabajos hasta mediados de los 90, para desencadenar todo su talento en una obra, como siempre aguda y carente de prejuicios, pero ahora alegre y esperanzada. La muestra agrupa las obras creadas a partir de este punto de inflexión en la vida del artista.
para leer mas sobre la muestra dale click al título de la entrada.

El mural de la cúpula del Teatro Vera

En el año 2005 el Arquitecto José Antonio Ramírez realizó un mural en la cúpula del Teatro Oficial Juan de Vera.
El mural refleja, desde su visión, la historia de Corrientes, los antecedentes y la historia del Teatro.
Sobre la boca del escenario están representados: "la taragúi", el Adelantado don Juan Torres de Vera y Aragón, un personaje del teatro del siglo de oro español y siete caballos blancos que representan las siete puntas.
A la derecha un grupo de niños aborigenes cantando evoca las corales jesuíticas y a la izquierda los personajes de la mitología guaraní.
Continuando en sentido contrario a las agujas del reloj encontramos la representación de la música popular correntina, el drama, la tragedia y la comedia, el balett, la música de cámara, la ópera, artistas y funcionarios que influyeron decisivamente en el devenir del Teatro Vera y la representación de la procesión de "La Gobernadora".
A continuación algunas fotos y mi colaboración en la obra.

“FUNDACIÓN DE LA CIUDAD DE CORRIENTES POR EL ADELANTADO JUAN TORRES DE VERA Y ARAGÓN, EL 3 DE ABRIL DE 1588”

En 1988, con motivo del cuarto centenario de la Ciudad de Corrientes, el artista correntino Octavio Gómez realiza este óleo sobre tela de grandes dimensiones representando el momento histórico de la fundación. Para realizarlo el artista se basó en documentos históricos.

“Elegido el sitio a 250 varas castellanas en línea recta al norte de la ensenada, fondeadero del convoy, practicadas las rozas del caso en el sitio de la fundación designado para plaza mayor del futuro asiento, el Adelantado con el ceremonial propio de estos casos, acompañado de todos los componentes de la expedición y en presencia del Escribano Público del futuro Cabildo Nicolás Villanueva, procedió el 3 de abril de 1588, día Domingo de Resurrección de Lázaro a la planificación de la Ciudad de Vera.

Instalado en el centro de la futura plaza mayor e invocando su cargo de Gobernador y Justicia Mayor de estas provincias en nombre del Rey de España, Felipe II, declaró que “fundaba, asentaba y poblaba la ciudad de Vera, en el sitio que llaman de las “siete corrientes”, provincia del Paraná y del tapé, con la expresa protestación que sí se hallase otro sitio mejor que pueda trasladar la dicha ciudad con el propio nombre donde más convenga al servicio de Dios, S.M. y utilidad de los pueblos, y agregó que estas mudanzas haga con el acuerdo y parecer del cabildo.”

Nombró miembros del futuro Cabildo; acto continuo, el Adelantado de acuerdo con los regidores nombrados “situaron el sitio para la Iglesia Mayor y la dieron por advocación Nuestra Señora del Rosario y en señal de posesión pusieron una Cruz a la cual todos adoraron.”

Luego los mismos mandaron “fincar un palo para el Rollo en la mitad de la Plaza Mayor, donde se ejercitase la justicia”. Con “todo lo cual acabó y feneció el acto de la fundación de la dicha Ciudad, Iglesia, horca y ejido”.

Con “todos estos antecedentes se labró un Acta por el Escribano Nicolás, la que fue suscripta por el Adelantado Juan Torres de Vera y Aragón, los 14 regidores del primer Cabildo de la fundación y en carácter de testigos: el general Juan Torres de Navarrete, el capitán Diego Gallo de Ocampo y el alcalde del cabildo de la Asunción Felipe de Cáceres.”

Octavio Gómez

Octavio Gómez nació en Corrientes el 21 de abril de 1916. Realizó sus primeros estudios con el maestro Antonio Pedro Ballerini. Estudió en el Instituto Josefina Contte donde recibió un premio en el año 1933.
En 1936 se radicó en Buenos Aires. Estudió en la Asociación de Estímulo de Bellas Artes, concurrió a talleres particulares de reconocidos artista plásticos y obtuvo el título de Profesor Superior de Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”.
La temática predominante en sus obras esta dedicadas a la representación de aspectos de su tierra.
En el centenario de la muerte del general José de San Martín realizó varias obras que lo retratan en diversos pasajes de su vida guerrera que se exhiben actualmente en instituciones históricas de Argentina y países.
Recibió importantes premios en su dilatada trayectoria artística.
Actualmente reside en la ciudad de Buenos Aires.
Estas son algunas de la obras del Maestro: “La Salamanca” en la que representa los seres mágicos en el paisaje correntino, “Baile de Casamiento en la estancia la rosada” y los vendedores ambulantes.

Carlos Alberto Longa

El miércoles 1 de abril a las 19hs. Carlos Longa inaugura su exposición de pintura en el Museo Vidal.
La muestra podrá visitarse de lunes a viernes de 8 a 20hs. y los sábados de 9 a 12 y de 17 a 20 hs.
Dale clik al título de la entrada para leer entrevista publicada en diario La República de Corrientes.

LOS ICONOCLASISTAS

Es otro gurpo de artistas políticos, o un grupo que realiza "acciones artísticas", como les gusta decir a ellos.
El grupo esta integrado por un diseñador gráfico y una especialista en comunicación social. Se proponen "activar formas de cuestionamiento a la hegemonía simbólica e ideológica impulsando estrategias creativas de resistencia liberadas de los límites que impone la privatización del conocimiento".
Estadisticas populares es una de sus líneas de trabajo. Utilizan, lo que ellos llaman, "humanización de las estadísticas" para dar una idea mas concretas de como interpetar los datos que suministra el INDEC.
Cosmovisión Rebelde recurre a la cartografía para hacer evidente situaciones territoriales.

Dale click al título de la entrada para ir a la página de los ICONOCLASISTAS.

No te pierdas los personajes de La Liga Latina de la Justicia en Imaginarios para la Resistencia.

¡¡¡Bajate gratis todos los diseños y hacé tus propias acciones artísticas con tus amiguitos!!!

charla de Leo Ramos

el jueves 19/3 en el Museo Provincial de Bellas Artes "Dr. J. R. Vidal" de la Ciudad de Corrientes el Arq. Leo Ramos dará una charla sobre "ARTE POLÍTICO" en el contexto de la Muestra Nunca Mas- Nosotros no sabíamos del artista León Ferrari.
Leo Ramos hablará sobre las acciones artísticas con contenido político realizadas por grupos de "artistas". Pongo artistas entre comillas porque a ellos no les importa que le digan artistas.


Para ver el blog de Leo dale click al título de la entrada.
Para ver temas relacionados ahi te copio algunas direcciones:

http://spaghettiabasto.com.ar/entrevistas/leonardo/index.htm

http://www.wokitoki.org/wk/153/bricolage-leo-ramos

http://www.interaccioneselectorales.org/?tag=leo-ramos

http://proyectov.org/venus2/index.php?option=com_content&task=view&id=10629

http://www.malababa.org/

y te recomiendo ver el blog del GAC (Grupo de arte callejero):

http://grupodeartecallejero.blogspot.com/

Viola Luza de Taraborelli

Nació en "La Gallareta", Pcia. de Santa Fe, en el año 1931.
Profesora de Cerámica egresada de la Escuela Nacional de Cerámica de Capital Federal.
Fué Escultora y ceramista.
Ejerció la docencia y Rectora del Instituto Superior “Josefina Contte”, donde dictó las cátedras de Escultura y Cerámica.
Como artista obtuvo los siguientes reconocimientos:
Tercer Premio y Segunda Mención en los concursos de Murales organizados por la Municipalidad de corrientes en 1968 y 1969.
Distinciones en escultura en el II y IV Salones de Artes Plásticas del Nordeste.
En 1972 obtuvo el Tercer Premio en el Primer Concurso para Artistas Visuales del Interior del Paìs, organizado por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires.
En 1973 su escultura "Mujer sentada" fue distinguida con el Tercer Premio Adquisición en el VI Salón de Artes Plásticas del Nordeste “Puente Gral. Belgrano”. La obra premiada se exhibe permanentemente en la galería del Museo vidal y su imagen fue utilizada para el diseño del logo institucional.

Fabriciano Doctor Honoris Causa

La UNNE nombra al escultor chaqueño Fabiciano "Doctor Honoris Causa". Dale click al título de la entrada y mirá la galería de fotos en la nota del portal digital de noticias.

YAGUÁ RINCÓN seleccionado para el Barrio Jóven de arteBA

El rincón de arte contemporáneo correntino YAGUÁ RINCÓN ha sido nuevamente seleccionado, entre cientos de galerías de arte de todo el país, para exponer en el Barrio Joven de la Feria de Arte Contemporáneo arteBA 09.
Yaguá Rincón es sin dudas el Grupo de Artistas Visuales Correntinos de mayor proyección en el arte argentino de nuestros días.
Para ver un poco de que se trata dale click al título o escribí http://www.yaguarincon.blogspot.com/ en la barra de direcciones.

Fijate bien. Esto es el Arte Correntino del siglo XXI

ALEJANDRO RODRIGUEZ- Paso de los Libres - Corrientes

Alejandro Oscar Rodriguez(Paso de los Libres-1962)estudió el Magisterio en Artes Visuales y los Profesorados en Pintura y Grabado en el Instituto Contte. Desde 1989 vive y trabaja en Paso de Los Libres.
Esta pintura que elegí para presentarlo se llama "Retrato de un autoconvocado intervenido", es un acrílico sobre tela de 1999, mide 114 x 140 cms.
Es un autoretrato que hizo a partir de una foto. En 99 el estuvo "autoconvocado" con los docentes en la plaza de Libres. En lo mas dramático de los sucesos de ese año se sintió mal, lo trajeron a Corrientes y terminó "intervenido" de urgencia en el hospital. Cuando llegó de vuelta a Libres se tomó la foto en el taller.

ALEJANDRO RODRIGUEZ- Retratos de Doña Paulina

Doña Paulina recogió el "guachito" y le enseño a silvar un chamamé. Alejandro los conoció en la carnicería. Fue a la casa de doña Paulina, sacó fotos, pintó muchos cuadros, grabó el pajarito silvando, sacó el chamamé con su guitarra y algunas tardes "tocan" a dúo.

ALEJANDRO RODRIGUEZ- Serie de las casas

A fines de la década del '90 Alejandro comenzó la serie de los personajes con cabeza de casa como reflexión sobre el significado de la "casa" para el hombre. El tema surge de la experiencia personal, vivió en varias casas alquiladas y lo atormentaba no poder tener una casa propia para vivir con su familia.

PALI

PALI ganó el Segundo Premio del Salón Regional de Artes Visuales 08 con la obra que vemos en esta entrada.
Del Salón participaron cerca de 100 artistas de Corrientes, Chaco, Misiones, Formosa y Paraguay. Máximo Jacoby (curador del espacio de arte del Centro Cultural Rojas-UBA), Graciela Hasper (artista de trayectoria internacional) y Fernanda Toccalino (Profesora de Pintura, Artista y directora del Museo Vidal) fueron jurado de selección y premiación.

Comentarios?

Los Retratos Voladores de Pali

Pali explica el nombre de su muestra: “son retratos voladores,… por que yo re-trato”. Nos provoca con el juego de palabras advirtiéndonos que no lo consiguió y no lo conseguirá. Como si declarara: siempre pierdo… pero voy a seguir jugando.
¿A qué juega Pali sabiendo que va a perder?
Juega a hacer dibujitos sobre un papel con innumerables trazos de birome. Como un adolescente que no presta atención a la clase juega a recuperar la libertad de disponer de su tiempo mientras esta confinado entre cuatro paredes hasta que toque el recreo.
Y cuando sale al patio no tira los dibujos al cesto, ni le pone marco para hacer un lindo cuadrito. Aprovecha los papeles usados para hacer avioncitos o los mete en una botella para hacerse el brujo y seguir jugando.
Así como un texto dice también por lo que no dice, la obra de Pali nos propone encontrar el sentido en eso que no está pero se lee entre las líneas de la escritura del acto.
El dibujo, el retrato, la técnica, el juego, la ficción y la magia se complementan y superponen para articular el discurso.
La precariedad, la ternura, la fe y los deseos cantan ¡piedra libre! y aparecen sonrientes cuando creíamos que la partida era nuestra.
Pali hace dibujitos precarios para que disfrutemos el presente, juguetitos con piruetas para que no nos olvidemos de mirar cada tanto el cielo y payé de mentirita para que no tengamos miedo.
Pali juega a llenar la vida de amor.

Hugo Justiniano- mayo/08


para ver la obra de Pali mirá http://palicorrientes.blogspot.com/

GAUCHITO GIL Y OTRAS YERBAS

Durante las vacaciones verano/09 se puede ver la muestra "El Gauchito Gil y Otras Yerbas" en el Museo de Bellas Artes Dr. J. R. Vidal en San Juan 634- Corrientes de lunes a viernes de 8 a 13. Entrada Libre y Gratuita.
En esta entrada vemos:

1- S/T de Zunilda Silva
2- "Dolor" de José Augusto Ramírez
3- "Dando Gracia" de Nélida Morello
4- "Devoción Popular" de Cesar Tschantz
5- "La aparición" de Ulises Bértoli

En el 2005 la Subsecretaría de Cultura de la Provincia convocó a los artistas de Corrientes a participar del Salón "Antonio Gil con ojos correntinos".
Participaron 65 artistas y el jurado, integrado por Julio sanchez y Santiago García Saenz, otorgó tres premios y seleccionó diez obras que fueron adquiridas para integrar la colección del Museo Vidal. Parte de esa colección puede verse en la muestra habilitada hasta el mes de febrero.

En estas obras vemos diferentes REPRESENTACIONES referidas a aspectos que a cada artista le parecieron mas relevantes. Las puse juntas para hacer referencia a la cuestión del "arte como representación".
Zunilda Silva representa en primer plano las velas rojas y en segundo plano, como apreciendo desde la luz de las velas, la estampa del gauchito montando su caballo. Ulises Bértoli representa el momento en que la parca misma se le aparece a Antonio Gil. Ramírez representa el dolor en el rostro del gaucho martirizado y en el mismo tronco del árbol del martirio al que el artista dota de rostro humano. Nélida Morello representa una escena del culto popular, la visita de una familia a una santuario en el campo. César Tschantz también recurre a la representación, aunque en este caso predomina el uso simbólico de los elementos.

+ del gauchito (por la misma plata)

Acá tenemos
"Valiente Corazón de Antonio Gil, en vos confío" de Mati Obregón
y
"Repisita de recursos auxiliares celestiales y de los otros" de Hugo Justiniano (yo mismo).

Acá no hay representación, sino PRESENTACIÓN DE UN OBJETO, un artefacto ficticio- como toda obra de arte- que registra la acción realizada por el artista. El significado se construye por la acción artística.

Mati Obregón borda con hilos dorados sobre raso rojo una frase como declaración de fé y plegaria. La obra no es la ilustración de una escena sino la construcción de una símbolo de culto.

Justiniano construye un altar doméstico, una repisita sobre la que tenemos ordenado un amplio abanico de recursos sobrenaturales para cualquier emergencia.

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